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Anna-Eva Bergman y la memoria de lo sentido

La pintura de la artista noruega Anna-Eva Bergman (Estocolmo, 1909-Grasse, Francia, 1987) es de una abstracción hecha a partir de la memoria.

La magnitud de sus obras, los tonos de sus colores y la disposición de las formas geométricas que emplea son constantes llamados a las claves de un paisaje familiar.


Sin embargo, el lenguaje abstracto que maneja con peculiar sensibilidad le permite traspasar las fronteras de lo visible recordado y adentrarse en una suerte de memoria de aquello que no se ve pero que se ha sentido.

A favor de esa dimensión de lo invisible acuden las grandes masas de colores sobrios y la inestabilidad luminosa de las hojas de plata y dorado con que rememora la energía contenida de un paisaje nórdico.


Al final su obra nos conduce a una poética del lugar cuyo destino sería el de un plano cósmico y universal de lo mirado. Y esta es una vía de gran valor para también llegar al ideal absoluto que persiguió siempre la abstracción geométrica.
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More Followers: Carla Fuentes y su mirada al mundo de las redes sociales

Un trabajo más personal de la ilustradora Carla Fuentes (Valencia, 1986) forma parte de la muestra “Ocultas e ilustradas” que se presenta en Centre Cultural La Nau de la Universitat de València.

Se trata de la obra More Followers, una pintura de gran formato cuyo tema emana del mundo de las redes sociales, influencers y especies afines.

Un punto de vista descendente, una chica en el sofá en actitud relajada, con una laptop a un lado y un móvil en el otro. Por el suelo, restos de golosinas y lo que parece ser un catálogo de cosmética.

Todo esto en el esquema de líneas oblicuas y marcados contornos que definen los espacios y figuras creados por Fuentes; y donde esta chica, desde su estatismo y con mirada deformada solo nos pide una cosa: más seguidores.

Puedes ver más del trabajo de Carla Fuentes en su sitio web y en su cuenta de instagram.

VI Premio Mardel

Se suele decir que el éxito en una profesión depende de talento, disciplina y suerte. Sin embargo, en el caso de la carrera de artista tal receta parece no ser suficiente. Existe en este sector una nube de precariedad que hace difícil al profesional poder “vivir del arte” y aún más si es un artista en ciernes. Tener éxito en este campo, si por esto se entiende vivir del trabajo creador, es aún un estigma o por lo menos una contradicción según algunas opiniones. A falta de políticas más claras y contundentes para que un artista, sobre todo los emergentes, pueda subsistir con su trabajo, algunas instituciones, varias de ellas de carácter privado, se valen del formato del premio para incentivar el desarrollo de nuevas trayectorias.


En este tipo de estímulos se ubica el premio Mardel, un proyecto sin ánimos de lucro que muestra los resultados de su sexta edición en una exposición en el Centre del Carme. Uno de los objetivos del certamen es reconocer el carácter visual y multimedia del ar…

El museo está desnudo

La historia de un museo se puede contar con esplendor. Unas veces desde su trayectoria como coleccionista, otras desde el impacto de sus exposiciones, o según el alcance de su implicación social. Algo no tan frecuente es hacerlo desde su desnudez. Una desnudez que revela la piel del museo: el muro que sirve de soporte a las obras y que delimita el espacio de la contemplación. Una desnudez de otra anatomía, no la del hito arquitectónico, sino la de su memoria documental que al margen del relato laudatorio nos deja ver su constitución y funcionamiento.

Patricia Gómez (Valencia, 1978) y María Jesús González (Valencia, 1978) han desarrollado un proyecto específico en las dos plantas de la sala 6 del Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), como una manera de mirar su próximo treinta aniversario. En la primera planta, las artistas idearon sacar del muro capas de pinturas acumuladas exposición tras exposición para así revelar la memoria arqueológica del museo desde su inauguración en 1989. En…

Un futuro en construcción

A principios del siglo XX, las artes visuales pasaron por un importante proceso de transformación que hizo tambalear esquemas tan arraigados en la pintura como el de la perspectiva renacentista. Ese cambio de mentalidad se manifestó en un importante número de movimientos y corrientes que también acompañaron o contribuyeron a cambios de gran calado en lo político y lo social. En el caso de la extinta Unión Soviética, el constructivismo resultó fundamental para el surgimiento de una cultura visual que propició su transición hacia el socialismo. Así, junto con los nuevos mensajes hubo también revolucionarios cambios en la forma de presentar los libros, revistas y carteles que los contenían, a un punto en que sus efectos resultaron decisivos en la evolución del diseño gráfico en Europa.

La colección del Institut Valencià d’Art Modern cuenta con notables obras del diseño soviético. De ella se han seleccionado cincuenta publicaciones editadas en los años veinte y treinta que conforman la m…

El pulso del cuerpo. Usos y representaciones del espacio. Colección Per Amor a l’Art

El territorio ya no se conforma con ser descrito sólo en términos biológicos y materiales. El territorio ha devenido el espacio de posibilidad de nuestra existencia, porque lo ocupamos físicamente, pero también porque lo habitamos en virtud de las significaciones que definen nuestra relación en comunidad. De allí que pueda hablarse de un espacio socialmente construido, es decir un espacio que pasa de ser considerado el contenedor de un grupo social para convertirse en otro más complejo que es el resultado de las decisiones y acciones de ese grupo a lo largo de su historia. Directa o indirectamente, los artistas visuales han contribuido con sus obras a reflexionar sobre esta acepción contemporánea del espacio, a partir de múltiples perspectivas que van desde la dimensión más íntima del individuo hasta la esfera más global de la sociedad.
En este tema se centra la exposición “El pulso del cuerpo. Usos y representaciones del espacio. Colección Per Amor a l’Art”, que propone a través de …

La encantadora geometría de Monika Buch

Hasta finales del siglo XIX la expresión artística más contemporánea se mantenía atada a la individualidad de su autor; es decir, a su personal elección de temas, a su manera de abordarlos y hasta a su particular forma de aplicar el pigmento o modelar un volumen. Con el cambio de siglo, muchos artistas empiezan a manifestar su interés por liberar al arte del enorme peso que tenía lo subjetivo del autor en la obra resultante. Así, entre la segunda y tercera década del siglo XX, se propusieron lograr un arte de verdadero alcance universal para lo cual tuvieron que prescindir de las figuras conocidas del entorno material y concentrarse en el uso de la geometría y el color para significar una nueva realidad que se anunciaba más allá de lo visible.

Ciertamente, los avances de la ciencia y la tecnología dejaban en claro que el mundo había cambiado y que esos cambios se tendrían que reflejar en los comportamientos de las personas y en su manera de organizarse en sociedad. Las artes plástica…